Cormac McCarthy avait écrit le roman dont fut tiré « NO COUNTRY FOR OLD MEN » dans lequel jouait Tommy Lee Jones. Celui-ci adapte sa pièce « THE SUNSET LIMITED » pour réaliser lui-même un téléfilm HBO où il retrouve Samuel L. Jackson, son partenaire de « L’ENFER DU DEVOIR », douze ans plus tôt.

En fait d’adaptation, Jones a simplement filmé le texte à huis clos, se refusant courageusement à tout plan d’extérieur, toute aération. On assiste donc au face à face entre un professeur qui a tenté de se suicider en se jetant sous un train (le ‘Sunset Limited’ du titre) et un homme de ménage qui l’a sauvé. C'est la confrontation entre un individu cultivé mais athée en proie au plus profond désespoir et un homme simple qui a « découvert Jésus » en prison.

Leur dialogue est d’abord prenant, mais n’apporte rien de particulièrement nouveau à ce débat vieux comme le monde. En fait, Woody Allen disait à peu près la même chose dans ses films des années 70 et 80 avec beaucoup plus de légèreté et d’humour. Ici, les tirades lourdes de sens s’enchaînent sans une seconde de répit et sans que les protagonistes n’arrivent à prendre chair et vie. Ils restent jusqu'au bout des entités symboliques, les deux faces de la même pièce, les deux visages d’une même créature : l’Homme. Avec sa relation ambiguë et complexe à la mort, à Dieu et à l’espoir. Que dit réellement McCarthy ? Que malgré l’enthousiasme et la générosité de l'homme de Dieu, c'est la lucidité extrême du désespéré qui l’emporte à la fin ? Que les mots ont plus d'impact que la Foi ? Qu’à partir d’un certain âge, les illusions se dissipent laissant la place à un sentiment morbide d’inutilité ?

Il faut vraiment aimer ces deux (grands) comédiens pour supporter de les voir assis face à face pendant 90 minutes, autour d’une tasse de café. Jackson se donne beaucoup de mal pour animer le débat – et le film – et apporter un peu de vie au projet. Jones lui, de plus en plus buriné et minéral, reste en retrait, mais sa tirade finale révélant la puissance destructrice du « côté sombre » de l’Humain est un extraordinaire accomplissement.

Pas un spectacle folichon donc, même si sa rigueur force le respect.

On n’ose pas espérer un mix entre « MACHETE » et « HARRY BROWN », mais franchement… Un film intitulé « BAD ASS » (quand même !) avec Danny Trejo en pépé justicier et une ‘tagline’ qui annonce : « Ils ont déconné avec le mauvais senior », ça ne peut qu’affoler « WWW ».

Les miracles sont rares dans l’univers de la série B et la présence – quoique toujours bienvenue – de Ron Perlman au générique n’a rien de rassurant, mais quoi ! Avec un peu de chance, on pourrait bien tomber sur un ‘cult movie’ ou au pire un nanar attachant du genre « HOBO WITH A SHOTGUN ». L’avenir nous le dira…

Moins primaire que les adaptations de « CONAN LE BARBARE », moins touffue que la trilogie du « SEIGNEUR DES ANNEAUX », la série HBO « GAME OF THRONES » propose enfin de l’Heroic Fantasy adulte et intelligente, en adaptant fidèlement les romans à succès de George R.R. Martin.

Dès les premières séquences, la richesse des personnages, la multiplicité des intrigues et sous-intrigues, créent une addiction instantanée. On pénètre avec une facilité déconcertante dans cet univers pourtant complètement dépaysant et baroque dont on assimile aussitôt les codes et le background « historique ». C'est la vraie force de la série, que de mettre sur un pied d’égalité les magouilles politiques de cour, la sorcellerie façon R.E. Howard et l’étude psychologique fouillée de tous les protagonistes, jusqu'au plus modeste.

En voyant la richesse des décors, qu'ils soient réels ou recréés numériquement, l’ampleur des scènes de foule, on ne peut que constater que la frontière entre cinéma et télévision est de plus en plus imprécise. Bien sûr, les producteurs font preuve de ruse pour escamoter des séquences de bataille trop onéreuses (un personnage s’évanouit avant l’affrontement et se réveille juste après !), mais on n’a jamais la sensation d’un film étriqué.

Le premier et grand plaisir de « GAME OF THRONES », c'est son casting : Sean Bean magistral en seigneur noble et vulnérable, Michelle Fairley superbe dans le rôle de sa femme, Peter Dinklage extraordinaire en héritier nain d’un seigneur de la guerre. Il s’impose progressivement comme le vrai héros de la série. Sans parler des « méchants », écrits sans aucun manichéisme : Lena Headey et Nikolaj Coster-Waldau en souverains incestueux et machiavéliques. Il faudrait tous les citer tant le niveau est élevé.

On ne peut jamais prédire ce que deviendra une série et la seconde saison est souvent décisive, mais quoiqu’il en soit la 1^ère de « GAME OF THRONES » (également intitulée « LE TRÔNE DE FEU » en v.f.) est d’ores et déjà un modèle du genre.

Le producteur-auteur-réalisateur-monteur de « RED HILL » aime le western et il apprécie également le premier « RAMBO ». Ce qui inciterait donc « WWW » à l’indulgence d’emblée. Donc pour son film, il importe dans l’Australie d’aujourd'hui l’imagerie du Far-West de celluloïd, concocte une histoire de vengeance de derrière les fagots avec ligne de chemin de fer, ‘natives’ spoliés, flash-backs dramatiques, shérif pourri, etc., développe le dernier tiers du film de Ted Kotcheff en un long-métrage, pour signer une œuvre bâtarde mais efficace, menée avec sûreté.
À peine pourra-t-on déplorer que, pris dans son enthousiasme westernien, l'homme aille parfois trop loin dans le clin d’œil complice et cinéphilique. Les plans du vengeur en cache-poussière et à cheval, les morceaux musicaux à la Morricone, les plans trop ostensiblement iconiques (la silhouette du shérif se découpant sur un mur de flammes) ont pour effet de dédramatiser le suspense et surtout de le décrédibiliser. Dommage…

Malgré cela, « RED HILL » se laisse regarder avec grand plaisir. Les extérieurs de montagnes et de déserts sont bien exploités, les personnages dessinés avec un grand sens du détail marquant, jusqu'aux plus secondaires et le jeune héros est naïf et attachant. Quant au vengeur au visage brûlé, il a tout du croque-mitaine de ‘slasher’, à part – et c'est ce qui fait tout le prix du scénario – qu'il n’est finalement pas plus nuisible que ceux qu'il assassine systématiquement au fusil à pompe.

Un film un peu sorti de nulle part, ce qui convient parfaitement à son ambition de marcher dans les traces de « L'HOMME DES HAUTES PLAINES » ou « LES COLLINES DE LA TERREUR ».

Étonnante tout de même, l’absence en DVD de « CAR SAUVAGE EST LE VENT » (comme dirait maître Yoda) : le film est signé George Cukor et les rôles principaux sont tenus par Anna Magnani et Anthony Quinn.

Celui-ci incarne un rancher d’origines italiennes, qui à la mort de sa femme, fait venir sa belle-sœur du pays pour l’épouser et s’occuper de la maison. Homme rude et insensible, Quinn ne se rend pas compte que la Magnani, frustrée et malheureuse, tombe peu à peu amoureuse d’Anthony Franciosa, son bras-droit basque qui gère le ranch.

Tiré d’un roman de Vittorio Nino Novarese, « FURIA », le film est tourné en noir & blanc, il dure 1 H 54 et il est musiqué par Dimitri Tiomkin. À son générique, on note également les noms de bons comédiens comme Dolores Hart, Joseph Calleia, James Flavin ou Lily Valenty.

Le film a bonne réputation, tourné en 1957, juste après « NOTRE DAME DE PARIS », il marque l’accès au vedettariat américain pour un Quinn de 42 ans, qui apparaît vieilli par le maquillage et des cheveux grisonnants. L’acteur retrouvera Magnani des années plus tard dans « LE SECRET DE SANTA VITTORIA » et Franciosa dans « MEURTRE DANS LA CENT-DIXIÈME RUE ». C'est aussi paraît-il le meilleur rôle d’Anna Magnani, parmi les films qu'elle tourna hors d’Italie.

En voilà un qu’on aimerait bien voir en DVD, un de ces jours…