À l’instar de son cadet Dario Argento, Mario Bava est un réalisateur formaliste adulé des cinéphiles du monde entier pour quelques classiques de l’horreur. « LES TROIS VISAGES DE LA PEUR » est un film à sketches – trois, pour être précis – qui ressemble à un menu de restaurant italien : on a d’abord droit à une entrée légère avec « LE TÉLÉPHONE ». Bâti sur une seule et maigre idée, le court-métrage montre la pulpeuse Michèle Mercier harcelée au téléphone (d’où le titre !) par un ex à elle qui vient de s’évader de prison. À moins qu'il ne s’agisse de son ex-amante qui se ferait passer pour… Bref ! Le scénario n’a que peu d’importance. La photo est très belle, les mouvements de caméra sont sensuels et évocateurs et les actrices bien mises en valeur.

« LES WURDULAKS » est le plat principal. Dans une atmosphère à la Bram Stoker, Bava invente ici une famille de zombies-vampires et un voyageur qui s'arrête dans leur demeure. Là encore, le scénario est si mince qu'il apparaît vite qu'il n’est que prétexte à belles images et à magnifiques décors de studio. Là, on est vraiment gâté. Les plans de paysages embrumés, de forêts verglacées, les visages déformés par les ombres, tout est là pour créer un mini-film inconsistant mais tellement beau à regarder qu’on en oublie de sentir le temps long. Enfin – jusqu'à la fin qui tire franchement en longueur. Boris Karloff s’amuse comme un fou de ce rôle de patriarche zombifié à perruque frisée.

Le dessert s’intitule « LA GOUTTE D’EAU » et ne s’attarde pas trop longtemps sur la dernière nuit d’une infirmière qui dérobe la bague d’un cadavre et se voit poursuivie par son fantôme. Là encore, cela aurait pu tenir en cinq minutes et cela en dure le triple.

Œuvre d’esthète manifestement peu concerné par ce qu'il raconte, « LES TROIS VISAGES DE LA PEUR » procure le même plaisir fugace que la lecture des vieilles BD de « CREEPY » et « EERIE » auxquelles il fait énormément penser. À noter un épilogue présenté par Karloff (à l’instar du court prologue), montrant avec beaucoup d’humour l’envers du décor. Jolie mise en abyme qui vient enfoncer le clou : tout cela n’est que du cinéma et rien que du cinéma.

À NOTER : la splendide réédition anglaise chez « ARROW » qui propose la version italienne du film ainsi que son remontage U.S. intitulé « BLACK SABBATH » en Blu-ray et en DVD. Un vrai travail d’orfèvre.

Il ne faut pas s’attendre à énormément de surprises scénaristiques dans « MAMA », surtout si on a déjà vu un ou deux films de fantômes nippons. Les ficelles des films de maisons hantées et de crimes non-résolus réclamant réparation sont devenues monnaie courante et il est difficile de se renouveler éternellement. C'est plutôt dans le style qu'il faut chercher son bonheur et là, on est bien récompensé de nos efforts.

« MAMA » est extrêmement bien conçu et filmé, il parvient à susciter des frissons « intelligents », à créer des images très angoissantes, comme cette créature rampant le long des murs ou ce recyclage du mythe de l’enfant sauvage. De plus, les effets numériques sont la plupart du temps utilisés en pénombre, ce qui les rend moins ostensibles et donc plus crédibles. Si le fantôme – la ‘Mama’ du titre – est particulièrement effrayant, il le devient moins à partir du moment où on le distingue plus clairement et la toute fin sombre dans le Grand-Guignol habituel, qu’avaient si bien réussi à esquiver les auteurs jusque-là. Mais ce n’est pas très grave : le film a de la chair, du style, de l’émotion à revendre, les petites comédiennes sont excellentes et on admire une fois encore la versatilité de Jessica Chastain tout à fait méconnaissable dans un rôle de rockeuse brune et tatouée.

S’il ne sort jamais des sentiers battus, « MAMA » vaut un coup d’œil pour la précision de sa facture, pour une jolie maîtrise des effets de peur traditionnels et pour plusieurs plans du spectre lui-même, qui risquent de hanter bien des cauchemars (Mama accrochée au sommier de l’héroïne, la découverte des deux fillettes retournées à l’état sauvage dans la cabane au fond des bois, etc.). À savourer en gourmet donc, sans en attendre une quelconque révolution du genre.

La sortie en version longue du classique de Dario Argento « LES FRISSONS DE L’ANGOISSE » permet de se replonger, bien des années après sa découverte, dans une œuvre adulée des fans du réalisateur et du ‘giallo’ en général. Il s’agit au final d’une version TRÈS longue ! Car sur deux heures et des poussières, Argento étire jusqu'à l’exaspération un sujet extrêmement mince, une sorte de ‘whodunit’ assez maladroit, qui n’est prétexte qu’à des effets de style et parfois de virtuosité.

Car c'est bien de cela qu'il s’agit : de mise en scène. Peu soucieux de cohérence dramatique, le scénario alterne les moments drolatiques (les relations entre le pianiste-enquêteur et la journaliste) aux plages de suspense, elles-mêmes entrelardées de séquences-choc, voire ‘gore’. Argento se regarde filmer, allonge d’interminables – et très jolis – travellings dans des couloirs, des plans-séquences eux aussi très étirés, ignore le concept de l’ellipse. Quand on visite une maison « hantée » ou les archives d’un lycée dans la nuit, c'est de A jusqu'à Z, mètre après mètre, marche après marche. Cela demande beaucoup de vénération pour le maestro et une infinie patience. Car au bout du compte, il ne se passe pas grand-chose ! Et même si elle a elle aussi ses fans acharnés, la BO prend parfois sérieusement la tête.

David Hemmings promène sa bonne bouille de chérubin anglais dans un rôle improbable, Daria Nicolidi est amusante jusqu'à un certain point et les seconds rôles sont généralement désolants.

Heureusement, quelques plans impriment la rétine : cet automate qui s'avance vers la caméra en sortant de l’ombre, ce combat de chiens d’une férocité inouïe, qui ne dure que quelques secondes et n’est relié à rien, cette petite fille au faciès franchement inquiétant, la révélation finale…

Alors, chef-d’œuvre ? Pour certains, c'est indéniable. Pour « WWW », pas vraiment. Mais… nobody’s perfect.

« TEENAGE CAVEMAN » est une aimable allégorie anti-bombe, réalisée par Roger Corman le roi du ‘low cost’, dont le scénario aurait à peine rempli un « TWILIGHT ZONE » de 26 minutes. D'ailleurs, à bien y repenser, n’y a-t-il pas là-dedans les prémices de « LA PLANÈTE DES SINGES » justement écrit par Rod Serling ? Tout se recoupe !

Toujours est-il que lorsqu’il ne se passe rien, qu'il n’y a pas de décors, que chaque réplique prête à rire, même une heure peut sembler bien longue. Bien sûr, le spectateur un brin tordu se réjouira de voir le jeune Robert Vaughn jouer un ‘rebelle sans cause’ préhistorique portant une jupe à bretelle et fixant l’horizon tel un Hamlet qui se serait trompé de plateau de tournage. Alors que sa tribu de Cro-Magnon vit selon « La Loi », lui se demande ce qu'il y a au-delà et rêve d’explorer le vaste monde, tel un Rahan bien peigné et brillantiné. Au passage, histoire de s’occuper, il invente l’arc et les flèches et même la musique, grâce à une flûte de pan qu'il fabrique au petit bonheur. Ce qui ne l’empêche pas de draguer la seule blonde peroxydée du coin, qui est de plus naturiste ce qui ne gâte rien.

Tout cela est d’une bêtise confondante, les « F/X » sont fabuleux : un bébé croco et un iguane auxquels on a collé des crêtes en plastique se battent sauvagement sous l’œil effaré de nos héros. Des chiens sauvages (mais très propres et bien nourris) attaquent tels des meutes de loups mais ne semblent pas très convaincus. Heureusement que les figurants prennent des airs effrayés !

Si Vaughn traverse tout cela avec un sérieux imperturbable et un air vaguement gêné, Frank DeKova s’éclate en méchant ambitieux. On peut donc voir « TEENAGE CAVEMAN » (ah ! Ce titre !) comme une critique du repli communautaire, un avertissement contre l’ère atomique qui se profilait alors. On peut aussi y jeter un rapide coup d’œil curieux et passer directement à la « chute » finale qui a au moins le mérite d’être en avance de quelques années.

Comme tous les scénarios basés sur une seule et unique idée, autrement dit leur ‘pitch’ de départ, « PERFECT SENSE » a visiblement du mal à remplir sa durée règlementaire de long-métrage. De fait, le film tire à la ligne, perd beaucoup de temps en scènes d’amour redondantes (les deux vedettes passent un temps fou à s’embrasser goulument, ce qu’on ne songerait pas à leur reprocher, d'ailleurs !) et se dilue un peu en progressant.

Reste que cette fameuse « idée » n’est pas mauvaise : l’apocalypse décrite ici ne vient pas de l’extérieur, les éléments ne saccagent pas la planète, les bombes ne détruisent pas la Terre, mais c'est l’Humanité elle-même qui est agressée. Et le « mal » s’en prend à ce qui justement, fait d'elle ce qu'elle est : une sorte de virus mystérieux détruit un à un tous nos sens. À commencer par l’odorat, puis le goût, etc. Comme c'est inéluctable, impossible à combattre, on assiste passivement à une lente agonie de l’homo erectus. C'est l’aspect intéressant de ce film qui donne à réfléchir sur ce qui fait de nous des humains. Privés peu à peu de notre identité, nous régressons jusqu'au néant. L’image noire qui clôt le film (non, ce n’est pas un ‘spoiler’ !) laisse sur un malaise tangible.

Trop long donc, pour la minceur de son scénario et le peu de profondeur de ses personnages, le film se repose énormément sur le charme de ses acteurs. Ewan McGregor fait toujours preuve du même naturel et de ce don de sympathie qui le rendent crédible dans tous ses rôles. En chef-cuistot rongé par la culpabilité, il est très attachant. Eva Green apporte son étrange et entêtante séduction dans un personnage dépressif tout en zones d’ombres. Quant à Connie Nielsen, on se demande pourquoi elle a accepté un rôle aussi… invisible. À peine si on l’identifie.

« PERFECT SENSE » est un joli film donc, plaisant à regarder, qui a fait le pari de l’intimisme plutôt que du grand spectacle, au risque de paraître parfois un peu creux et comme inachevé.