« SCOTT & BAILEY » est une série anglaise qui n’a connu que deux saisons et 14 épisodes en tout, contemporaine de son équivalent américain « RIZZOLI & ISLES ». Impossible de ne pas comparer. Si la série U.S. est sympathique, efficace, très bien interprétée, elle fait subitement pâle figure comparée à la britannique. Ancrée dans un réel que savent si bien retranscrire les cinéastes anglais, « SCOTT & BAILEY » trouve d’emblée le parfait équilibre entre polar ultra-réaliste et vie privée des protagonistes. Les actrices n’ont rien de top models, leur amitié échappe aux archétypes, le dialogue est totalement quotidien.

L’écriture est pointue, acérée, même. Les conflits, les enjeux personnels sont toujours graves. On parle ici d’éthique, de responsabilité, mais aussi de la vie qui passe, des occasions qu’on laisse passer, des mensonges qui nous suivent et nous rattrapent. Bref, on est bien au-dessus de la moyenne des habituelles séries policières et cette exigence se reconnaît dans le casting absolument superbe : on retrouve avec délectation la formidable Lesley Sharpe, quelques années après « AFTERLIFE ». En enquêtrice ultra-pro, mûrissante, trop indulgente avec sa co-équipière, elle compose un personnage d’une totale crédibilité. Son duo avec l’également magnifique Suranne Jones est une franche réussite. Excellent flic, mais femme influençable, paumée et même nunuche dans ses relations aux hommes, celle-ci est un idéal complément à sa collègue. Elles n’ont rien de clichés sur pattes, ce sont des individus à part entière, faillibles et compliqués. Elles pourraient jouer dans un film de Mike Leigh ! C'est si rare, à la télé.

Cerise sur le gâteau, même leur supérieure hiérarchique, campée par l’excellente Amelia Bullmore, échappe au stéréotype et parvient à faire de la série l’histoire d’un trio, plutôt que d’un classique duo.

Les enquêtes elles-mêmes sont suffisamment simples pour laisser de l’espace au relationnel, les drames humains sont sordides et parfois atroces, mais décrits avec finesse. Il y a même un fil rouge passionnant sur un meurtre survenu trente ans plus tôt, qui hante une des héroïnes. Le filmage est simple et sans recherche particulière, hormis quelques flous bizarres recréés en post-production et pas toujours très heureux.

Le seul vrai reproche qu’on puisse faire à cette 1^ère saison est finalement de ne compter que six épisodes !

Il est des films qui fascinent sans qu’on les comprenne tout à fait. Sans qu’on les comprenne du tout, parfois. « WETHERBY » fait certainement partie de cette catégorie. On y pénètre tout doucement, presque malgré soi, agacé d’abord par la construction en flash-backs assez compliquée, par un dialogue surabondant et intellectualisant, par ses aspects théâtraux. Mais on finit par y pénétrer.

Le suicide d’un mystérieux jeune homme aux allures de serial killer en herbe, sous les yeux d’une prof solitaire, va réveiller le passé de celle-ci, affoler la petite communauté de banlieue de Wetherby et s’achever en queue de poisson, laissant plus de questions sans réponses, que de solutions à nos questionnements.

Vanessa Redgrave porte le film sur ses épaules, dans ce qui est un de ses plus beaux rôles. Sa propre fille Joely Richardson – qui lui ressemble de façon hallucinante – l’incarne dans les retours au passé. Elles seront mère et fille dans la série « NIP/TUCK », vingt ans plus tard.

Ambiguë, opaque, comme perdue en permanence dans ses rêveries et ses regrets, l’actrice (les actrices !) compose(nt) un personnage en trois dimensions qu'elle(s) habite(nt) avec intensité. Face à elle(s), de grands acteurs britanniques comme Ian Holm, Stuart Wilson et Judi Dench, dans un petit rôle de bonne copine un peu godiche. Et Tom Wilkinson en prof verbeux, qu’on a rarement vu aussi jeune.

« WETHERBY » n’est pas une œuvre facile d’accès, il faut en accepter les règles, les impasses, les sous-entendus abscons mais pour peu qu’on s’y abandonne, on se prend à se laisser dériver, à bondir au plafond lors de la scène du suicide très traumatisante, à saisir quelques bribes du message de David Hare d’une façon fugace et imprécise.

De quoi parle-t-il, ce film ? De solitude ? De sentiments qui à force d’être tus, finissent par nous ronger ? De la responsabilité qu’on endosse dès qu’on s’ouvre à quelqu’un ? Sans doute. Entre autres… À voir, en tout cas.

Continuons de célébrer l’anniversaire de l’ami Klaus Kinski, en l’incluant dans la nouvelle rubrique à la mode de « WWW » : « AVEC LE TEMPS VA… ».

Le moins que l’on puisse dire en voyant ces images couvrant 40 années de carrière, c'est que le bonhomme a toujours été égal à lui-même et n’a jamais dévié de sa trajectoire hallucinée. Qu'il incarne une femme larguée au théâtre en Allemagne (première photo) ou un Paganini enterré sous une perruque de chef sioux, il a creusé le même sillon. Pour notre plus grande joie…

Il ne va pas être simple de départager tous ces Klaus...

« DÉLIVRANCE », le chef-d’œuvre de John Boorman, a fait beaucoup de petits. Mais ils ne sont – on aurait pu s’en douter – pas tous très jolis à voir ! « LE VILLAGE DE LA MORT » est l’un d’eux, c'est une série B américano-canadienne confrontant des citadins peu aguerris à des ploucs meurtriers.

Quatre étudiants, le genre d’imbéciles à passer le week-end dans une cabane au fond des bois dans un film de Sam Raimi, partent se reposer dans le Tennessee. Manque de bol, ils arrivent au moment où Henry Silva, sorte de gourou-pécore du coin, surprend sa femme avec un pauvre gars qu'il tue après l’avoir recouvert de goudron et de plumes comme dans « LUCKY LUKE ». Mais en moins rigolo…

Témoins de la chose, notre quatuor d’abrutis fieffés devient la proie d’une bande de bouilleurs de cru à moitié débiles, bien décidés à s’en débarrasser.

C'est écrit avec les pieds, filmé et joué comme un court-métrage d’amateur en DV et on se demande comment les auteurs ont réussi à dépasser les 90 minutes avec aussi peu de choses à raconter. Un exploit en soi. Ils remplissent les vides avec quelques plans dénudés parfaitement inutiles, de longues poursuites mal filmées et une sous-intrigue incluant le shérif du bled, qui ne va absolument nulle part.

Seul l’amateur du grand Henry Silva restera jusqu'au bout, boira le calice jusqu'à la lie, pour voir son idole lâchée en roue-libre. Mal rasé, portant un chapeau informe et une veste rouge-sang, il joue un fils de prêcheur illuminé et ivre de pouvoir, terrorisant une petite communauté de simplets. Visiblement content d’être là, Henry brame ses répliques en montrant les dents et en exorbitant ses petits yeux méchants de squale. Il assure le spectacle à lui seul, mais à l’impossible nul n’est tenu.

« LE VILLAGE DE LA MORT » est un navet de la plus belle eau, pas même suffisamment délirant pour amuser au second degré, hormis l’agonie d’un des ploucs transpercé par… une antenne de télé, à s’étouffer de rire. À fuir, en somme…

Lee Van Cleef est un cas un peu à part, dans le sens qu'en vieillissant, il a radicalement changé d’emploi à plusieurs reprises, tant son aspect physique se modifiait. Il a toujours fait plus vieux que son âge et pour son premier ‘spaghetti western’ avec Leone, il avait à peine 40 ans et son partenaire l’appelait déjà ‘le vieux’ !

Du voyou filiforme et frisotté du début des années 50 au vétéran blanchi sous le harnais, usé avant l’heure des années 80, Van Cleef ne s’est jamais figé dans une image. Dans son cas, pas de mystère, celle qui restera gravée dans le marbre est celle des deux classiques qu'il tourna avec le maître italien en 1965 et ’66.