Inspiré de faits réels et d’un pan particulièrement honteux de l’Histoire américaine (il y en a d’autres !), « SACCO & VANZETTI » s’inscrit dans la mouvance du cinéma politique italien des années 70 et un des deux rôles principaux est d'ailleurs tenu par l’acteur porte-drapeau Gian Maria Volontè.

Le film est long, copieux, d’une sobriété confinant à l’austérité, d’une volonté de sérieux très estimable. La belle musique d’Ennio Morricone et la chanson mythique de Joan Baez sont utilisées avec parcimonie et sans désir de surdramatiser les évènements. Il faut dire qu'ils se suffisent à eux-mêmes.

Le scénario suit pas à pas le procès de deux « radicaux » italiens arrêtés à Boston pour un hold-up qu'ils n’ont pas commis. La justice américaine va donc déguiser ce procès fondamentalement politique en une affaire criminelle falsifiée, pour éradiquer deux innocents devenus des symboles encombrants.

C'est révoltant comme ont pu l’être les meilleurs films de Costa-Gavras, soigneusement reconstitué malgré un abus du zoom et malgré des décors parfois un peu ‘cheap’.

Le film doit beaucoup à ses deux acteurs : Riccardo Cucciolla impressionnant de rigueur dans le rôle de Sacco, petit homme introverti et obstiné, enfermé dans son mutisme. À ses côtés, Volontè compose un magnifique Vanzetti bouillonnant intérieurement, un brin poseur, totalement crédible. Ils sont bien entourés par Cyril Cusack remarquable en procureur raciste et fielleux et William Prince en vieil avocat qui va perdre ses dernières illusions au cours des sept années de procédure.

Sans atteindre les hauteurs de certaines œuvres de Francesco Rosi, le film de Giuliano Montaldo est fort et digne, ne cède jamais au spectaculaire ou au pathos et laisse sur une sensation d’impuissance et de dégoût.

À NOTER : inédit en France (pourtant coproductrice du film) et aux U.S.A., le film vient de sortir dans un superbe Blu-ray en Italie avec une version italienne et une anglaise (excellente), mais sans sous-titre.

Dans la mouvance de ce renouveau du cinéma fantastique espagnol, « EVA » est une jolie fable irréelle dérivée du vieux mythe de Frankenstein créé par Mary Shelley. Le vieux rêve de fabriquer de toutes pièces un être humain, ici à base de métal, de circuits, de mémoire artificielle, détruit par l’ambition d’un savant qui a voulu le faire humain… Trop humain.

Agréable à regarder, « EVA » souffre un peu de n’être jamais ancré dans un univers concret ou bien défini. On devine que nous sommes dans un futur proche où les robots et cyborgs sont monnaie courante, mais on ne le ressent pas vraiment, ce qui ôte de la force au propos et ne laisse jamais oublier qu’on assiste à une plaisante et poétique historiette chargée de symboles.

La vision des suppléments dans le DVD, révèle l’existence d’un flash-back de plus de… vingt minutes, relatant les débuts des trois chercheurs à l’université, qui a été entièrement coupé. Et qui ne manque pas vraiment au film. Ce qui laisse supposer quelques petits soucis d’écriture, qu’on retrouve également dans un certain ronron général, un manque de surprise dans le déroulement, voire dans la chute finale (déjà vue en partie, au pré-générique !).

Mais les comédiens sont bons. Daniel Brühl fait énormément penser à un jeune Jacques Perrin, Marta Etura – découverte dans « MALVEILLANCE » – est très émouvante et on retrouve avec plaisir la belle Anne Canovas. Sans oublier le chat-robot en 3D, très sympathique.

Malgré les réticences, « EVA » reste un film prenant, parfois touchant, qui ne cède à aucune faute de goût. C'est une œuvre un peu trop désincarnée, mais après tout, cela colle au sujet. Et le tout laisse une plutôt bonne impression, teintée de frustration. Comme si tout n’avait pas été traité à fond…

Luchino Visconti adaptant une nouvelle de Dostoïevski, cela peut intriguer mais aussi inquiéter : sorti des intouchables merveilles que sont « ROCCO ET SES FRÈRES » et « LE GUÉPARD », le cinéma viscontien (puisque c'est devenu un adjectif) a souvent tendance à être esthétisant, solennel et pour tout dire, volontiers ennuyeux. Qu’en est-il de « NUITS BLANCHES » ? Il réunit en fait, tous les défauts et les qualités du ‘maestro’.

Si le scénario poétique et onirique, étire au-delà du raisonnable, une trame extrêmement ténue, les choix visuels sont époustouflants : des décors en studio fascinants, à la photo noir & blanc magique de Giuseppe Rotunno, c'est un enchantement pour l’œil. Hélas, plus on avance dans le film, plus on a le sentiment d’assister passivement à une expo photos sur papier glacé. Chaque plan, chaque composition est sublime, les noirs sont intenses, les contre-jours évocateurs, mais l’inertie guette à chaque détour de séquence à cause d’une dramaturgie répétitive, d’un dialogue trop abondant qui finit par tuer la rêverie dans l’œuf.

Maria Schell doit choisir entre un amant fantasmé, sublimé par le souvenir (joué par un Jean Marais bizarrement maquillé, comme échappé du musée Grévin) et un jeune homme fraîchement débarqué en ville, qui serait un confident idéal, mais qui tombe fou amoureux d'elle. Que choisira-t-elle ? Le rêve ou la (tristounette) réalité ? Le romanesque ou la médiocrité quotidienne ? Étrangement dirigée – et probablement un peu trop âgée pour son rôle qu'on imagine à peine sortie de l'adolescence – l’actrice joue mécaniquement, entre rire et larmes sans susciter beaucoup d’empathie. Face à elle, Marcello Mastroianni a peu à faire. Il a heureusement une étonnante scène de bal, où il se ridiculise en dansant de façon grotesque, qui apporte un peu de vie et de pathétique drôlerie au film tout entier.

Pour le travail du signore Rotunno donc, pour la musique de Nino Rota, et – malgré tout – pour le radieux sourire de Maria Schell, on pourra s’attarder un instant sur « NUITS BLANCHES ». En prenant son mal en patience…

Pas étonnant que « 3 MILLIARDS SANS ASCENSEUR » soit une coproduction italienne, tant il ressemble à un hommage à ce classique du cinéma transalpin qu’est « LE PIGEON ». Ici aussi, une bande de ‘losers’, de tocards, de baltringues, de laissés-pour-compte, organisent un braquage bien plus gros qu’eux et échouent (quoiqu’un peu moins piteusement que leurs aînés !).

Si le scénario tire un peu à la ligne et si l’esthétique a pas mal vieilli, le film a bien passé le cap des années grâce à sa très attachante galerie de personnages. Des vieux gamins velléitaires et pas bien doués, des paresseux congénitaux, de doux rêveurs, prêts à tous les plans foireux pour se sortir de leur tristounette réalité. La grande idée est d’avoir distribué dans ces rôles, des figures emblématiques du polar hexagonal, peu enclines à l’humour ou à l’autodérision : Marcel Bozzuffi est irrésistible en macho frimeur toujours à côté de la plaque, Michel Bouquet étonne en vieux garçon, probablement puceau, qui vit avec sa môman et dort même dans sa chambre, Serge Reggiani est un traîne-savate émouvant, sans oublier Bernard Fresson et Amidou. Cette belle brochette trimbale dans son sillage les cinémas si différents de Gavras, Chabrol, Sautet ou Melville, dans un pot-pourri qui fait plaisir à voir malgré ses nombreuses maladresses. On a également droit à la ravissante Dany Carrel, Françoise Rosay égale à elle-même et Gabriele Ferzetti très classieux, même si peu crédible, en caïd de Courbevoie.

Longuet et inégal, « 3 MILLIARDS SANS ASCENSEUR » se laisse pourtant regarder avec émotion. Le décor de ces petites maisons perdues au milieu des chantiers de démolition, ce Paris pittoresque voué à la destruction imminente, symbolisent parfaitement la fin d’un certain cinoche populaire français, au même titre que ces grands comédiens déjà mûrissants, qui allaient bientôt changer d’emploi ou disparaître des radars. Humour et mélancolie sont donc étroitement liés dans ce film plein de charme, dont le manque de rythme est compensé par la tendresse et une formidable direction d’acteurs.

À noter que le fameux vol de bijoux filmé in extenso, comme un morceau de bravoure, connaît une « chute » directement inspirée de « UN HOLD-UP EXTRAORDINAIRE ».

Il faut bien reconnaître que, même après un demi-siècle, l’association Jean-Luc Godard et Lemmy Caution, le héros de films policiers semi-parodiques qui faisaient la joie du grand public français, peut méduser.

« ALPHAVILLE » fut, est et restera un drôle de film. Une sorte de ‘film noir’ futuriste et verbeux, où planent les fantômes de « LA SOIF DU MAL » et « EN QUATRIÈME VITESSE », une version polar de « 1884 » d’Orwell, où l’humour noir le dispute à une poésie parfois délibérément naïve, où le discours politique enlise certaines séquences dans l’inertie la plus assommante, aidé par une voix ‘off’ monotone et excessivement soporifique.

Mais ce qui frappe aujourd'hui le plus en découvrant « ALPHAVILLE », c'est l’aveuglante influence qu'il a pu avoir sur une œuvre comme la série anglaise « LE PRISONNIER », tournée trois ans plus tard. Caution déclare : « Je suis un homme libre », lui aussi est un espion lâché dans un univers absurde et inconnu, les habitants d’Alphaville se saluent par un « Je vais très bien, merci, je vous en prie », qui annonce évidemment le « Bonjour chez vous » de Patrick McGoohan, sans parler du professeur Von Braun qui aurait pu s’appeler ‘N°2’ ou de l’ordinateur rendu fou par une question existentielle insoluble. Les pistes sont innombrables et les liens très forts entre Godard et McGoohan. Alphaville est une version géante du « Village ».

À condition de s’accrocher un peu, on peut être fasciné : la photo magnifique de Raoul Coutard, l’étrange sensation provoquée par ces décors des sixties censés être futuristes, vus par nos yeux de 2012, la présence incongrue d’Eddie Constantine, sorte d’avatar de Mike Hammer ou Philip Marlowe, échangeant des poèmes avec une Anna Karina en État de Grâce, sans oublier Akim Tamiroff, échappé d’un film d’Orson Welles, ou même Howard Vernon qui fut l’ennemi de Caution dans ses premières aventures : « LA MÔME VERT DE GRIS ».

« ALPHAVILLE » est un film-rêve à voir sans a priori, en s’armant de patience, car si on s’y ennuie fréquemment, quelques instants fulgurants valent vraiment l’effort.

« Je vais très bien, merci, je vous en prie ».