« Quand il y a une femelle pour deux mâles, quelque chose de terrible doit forcément arriver », dit en substance un personnage secondaire.
Production mexicaine réalisée par Emilio Fernández, le futur ‘Mapache’ de « LA HORDE SAUVAGE », « LE FILET » dépouille son scénario jusqu'à revenir au squelette, néglige le dialogue (on peut facilement compter les répliques !) et ose des cadrages plus proches de la 
photographie d’Art que de la mise en scène cinématographique. Mais ce qui frappe surtout dans cette œuvre unique, c'est l’érotisation absolue de chaque image, du moindre mouvement, du plus discret souffle de vent, des vagues sur la grève. De
séquence en séquence, le film rend palpable le désir de ses protagonistes qui monte, s’amplifie, jusqu'à devenir insupportable.
Deux hors-la-loi réfugiés sur une plage, une femme plus jeune qu’eux, sensuelle et farouche. Confrontée à ces deux hommes primitifs, la « femelle » va peu à peu choisir le mâle dominant et provoquer l’affrontement. Presque sans parler. Juste par des regards, des silences chargés, des attitudes corporelles. Fernández n’hésite jamais à aller au symbole peu subtil : il faut avoir vu un des rivaux pilonner du grain, torse nu, en sueur, tel un héros de péplum, dans un geste de va-et-vient sans la moindre équivoque, sous l’œil langoureux de la femme.
Rossana Podesta, comédienne italienne jouant ici une Mexicaine, est absolument fascinante dans ce personnage qui se prénomme d'ailleurs comme elle. Chacun de ses gros-plans est sublimé par la photo (somptueux noir & blanc !), ses seins pointent en permanence sous sa chemise blanche, devenant les vraies stars du film. Rarement actrice aura été aussi délibérément réduite à son sex appeal, son aura animale la plus élémentaire. La caméra – pour reprendre une expression tant galvaudée – semble vraiment amoureuse d'elle.
« LE FILET » est une belle tentative d’utiliser le langage cinématographique à son plus visuel, son plus primitif. En cela, l’expérience est totalement réussie et certains cadrages biscornus semblent annoncer avec une décennie d’avance les tics du ‘spaghetti western’. À voir, incontestablement. Ne serait-ce que pour… Enfin, vous m’avez compris.
et d’un érotisme glauque et malsain. Ce n’est certes pas du goût de tout le monde, mais c'est au moins original et dérangeant. Le problème est que tout cela dure beaucoup trop longtemps, presque deux heures, pour un scénario finalement très mince, qui finit par se répéter, s’enliser et… assoupir le spectateur le plus résistant. Ainsi, le « siège » dans l'appartement de l’ex-nazi semble-t-il durer des heures.
psychologique norvégien affiche ses influences sans complexe : le huis clos névrotique renvoie à certains Polanski comme « 
Inspiré du roman de Zola, « 
gens » rongés par des passions plus grandes qu’eux et finalement anéantis par la folie.
hérédité d’alcooliques (Jacques Lantier est le fils de ‘Gervaise’ !) et qui s’avère être une bombe à retardement.
ans. Ce qui démarre en face à face policé et civilisé entre personnes intelligentes et raisonnables, dégénère progressivement en bataille rangée. De quoi parle le texte exactement ? De mariage ? De machisme ? De snobisme ? De l’impossible entente entre les hommes et les femmes ? Il parle surtout de l’extrême minceur de notre vernis de civilisation et de la facilité avec laquelle on retombe dans nos pires instincts.
flingueur n’a rien d’un Jason Statham, c'est un transsexuel appelé ‘Cathy’ aussi frimeur que mythomane et bien sûr totalement incompétent. Il sera donc épaulé par Louise, une des ouvrières (elle aussi transsexuelle, d'ailleurs…) dans sa mission.
contemplatives sans dialogue entrecoupées de fondus au noir, des ellipses osées. La mise en scène colle littéralement à l’actrice principale, Yolande Moreau, épousant son rythme étrange et décalé, faisant naître la folie dans un regard ou une façon de se déplacer.
fable sur l’insécurité utilisée comme arme politique, sur les fanatismes, les gourous. Même si on reste toujours dans un réalisme de façade et qu'il ne se passe rien de réellement surnaturel, on sent de lointains échos de « 
Il faut bien reconnaître que l’œuvre de Marguerite Duras a rarement été débattue dans « 
ombres. Chaque plan ressemble à une toile de maître. Hélas, dès que les protagonistes se mettent à parler, on déchante aussitôt. Un homme, sa femme alcoolique, leur petite fille (horriblement mal doublée) et la jeune maîtresse du mari. Ils traversent le pays en voiture, trimbalant leurs drames existentiels et leur triangle amoureux larvé. Le dialogue « durassien » en diable prête souvent à sourire et Jules Dassin filmant amoureusement Melina Mercouri se laisse souvent aller à une complaisance gênante. Peu à peu, le film devient une sorte de ‘one woman show’ de la tragédienne grecque dont le jeu systématiquement excessif et survolté finit par polluer le récit et étouffer ses partenaires. Peter Finch et Romy Schneider – particulièrement ravissante – ne sont là que pour jouer les faire-valoir.
une jubilation rageuse et une volonté de choquer de chaque seconde. Seul petit souci, la forme n’est pas toujours au diapason du fond, et l’image plate et réaliste, la réalisation étonnamment sage ne servent pas vraiment le propos des auteurs./fdata%2F3012575%2Favatar-blog-1102836776-tmpphpUL74Wl.jpg){kind=avatar}