« LA PEAU » avait tout pour être une sorte de film définitif sur les horreurs de la guerre, la honte des vaincus et l’abjection du guerrier entre deux champs de bataille. Dantesque, glauque jusqu'à la nausée, s’achevant en paroxysme apocalyptique (même le Vésuve en éruption se mêle à l’orgie d’horreurs !), le film est handicapé par un scénario morcelé, composé d’une succession de vignettes à peine reliées les unes aux autres et par la réalisation étonnamment académique de Liliana Cavani.

« LA PEAU » se vautre délibérément dans le vomitif : images de ventres ouverts, de tripes à l’air (même les chiens n’y coupent pas), séquences choquantes comme celle où des mères vendent leurs garçonnets à des soldats « hypersexués » (sic !), ou encore ce poisson cuit au four, ressemblant étrangement à un bébé humain. Pour finir par ce plan dont tout le monde a parlé à la sortie : celui de ce pauvre homme complètement aplati par un tank. Symbole (trop) évident de l’Italie humiliée, écrasée par ses propres alliés venus se repaître de ses pauvres vestiges.

C'est aussi fascinant que dérangeant, parfois beau et souvent écœurant. La photo est magnifique comme les décors : la villa de Malaparte à Capri est celle immortalisée par « LE MÉPRIS ». Heureusement, Marcello Mastroianni tout en élégance fatiguée fait le lien et maintient l’intérêt sur sa personne, ainsi qu’un semblant d’émotion. Sorte de narrateur-chœur antique, il déambule avec une classe innée, assistant résigné, au naufrage de son pays en décomposition. À ses côtés, quelques ‘guests’ de prestige comme Claudia Cardinale en princesse évanescente et Burt Lancaster parfait en général yankee grossier, mégalo et insensible. Les scènes où il marchande avec un mafioso des prisonniers allemands au kilo, sont totalement surréalistes.

Si « LA PEAU » est trop long, inégal, parfois confus, impossible de nier son impact immédiat et le malaise persistant sur lequel il laisse le spectateur après le mot ‘Fin’.

À NOTER : la v.o. italienne est un peu curieuse, car tout le monde parle italien même les Américains. Ce qui n’empêche pas Mastroianni de faire le traducteur, alors que tous parlent la même langue ! Très perturbant…

Pantin grotesque et terrifiant, chefaillon bouffi de suffisance et d’orgueil, despote grisâtre au cheveu gras peigné comme un communiant, Gian Maria Volontè compose un personnage d’une horrible banalité, en adoptant un jeu pourtant théâtral et survolté.

C'est sa composition hallucinée qui porte « ENQUÊTE SUR UN CITOYEN AU-DESSUS DE TOUT SOUPÇON » et fait passer le message d’Elio Petri sur le pouvoir et ses inévitables dérives.

Complètement perverti, le flic campé par Volontè commet un meurtre, laisse sciemment des preuves aveuglantes l’incriminant, dans le seul but de prouver qu'il est intouchable. Il l’est d'ailleurs tellement, que lorsqu’il voudra finalement expier, ce droit lui sera dénié. Formidable dissection de la machine étatique qui fait une bouillie des idéologies, mélange allègrement les criminels et les opposants politiques, pratique une torture permanente sous toutes sortes de formes, le film est une espèce de cauchemar paranoïaque qui semble s'éloigner progressivement du réel, pour se transformer en absurde ballet de marionnettes sans visage.

C'est, avec « LE CHRIST S’EST ARRÊTÉ À EBOLI » dans un registre totalement opposé, le plus beau rôle de Gian Maria Volontè qui compose un monstre misérable et odieux,  absolument répugnant, qui n’est au fond qu’un banal rouage de la machine, qui s’est grippé. L’acteur est fascinant de bout en bout, semblant faire corps avec la BO pulsante et obsédante d’Ennio Morricone qui paraît émaner de sa cervelle avariée. À ses côtés, Florinda Bolkan apparaît essentiellement en flash-back, en mondaine sado-maso qui se plaît à l’humilier et sait le voir tel qu'il est : un vieil enfant impuissant et ridicule.

Du grand cinéma politique, mais pas seulement. Un chef-d’œuvre qui plonge aux tréfonds du marécage humain.

Comme « LOST IN LA MANCHA », « L’ENFER D’HENRI-GEORGES CLOUZOT » est le making-of d’un film mort-né que nul ne verra jamais.

Autant Terry Gilliam avait joué d’une phénoménale malchance avec son tournage, autant pour Clouzot l’ennemi venait de l’intérieur. De l’intérieur de lui-même. Préparant un scénario somme toute assez banal sur la jalousie, le grand réalisateur de « QUAI DES ORFÈVRES » ou « LE SALAIRE DE LA PEUR » s’est mis en tête de créer des effets visuels inédits. Il se lança donc dans des essais – dont certains assez extraordinaires – qui durèrent des mois. Et quand les producteurs américains les virent, ils furent suffisamment impressionnés pour lâcher la phrase fatale : « Budget illimité ».

À partir de là, les portes de l’enfer se sont effectivement ouvertes et Clouzot a entraîné son équipe dans un tournage apocalyptique, boursouflé de dollars, auquel nul ne comprenait rien. Jusqu'au départ de la vedette Serge Reggiani, jusqu'à l’infarctus du réalisateur qui mit fin à l’aventure.

Le film, mi-docu, mi-fiction, comprend de banales interviews façon talk-show, des séquences recréées par deux comédiens d’aujourd'hui, des scènes d’époque plus ou moins montées, des plans volés, des instants de vie figés pour l’Éternité. C'est fascinant et triste, magnifique et pathétique. Quelle serait la morale de l’histoire ? Pas d’Art sans contrainte ?

Le pire est que Romy Schneider n’a jamais été aussi lumineuse que dans ces lambeaux de film !

Passer deux heures en compagnie du texte d’Euripide pour un film grec (en Grec !) tourné il y a plus de trente ans, voilà qui relève a priori du pur challenge masochiste. Le film de Michael Cacoyannis vient à point pour faire taire les préjugés.

« IPHIGÉNIE » est une des plus belles adaptations théâtrales jamais filmées, un film qui arrive progressivement à redonner vie et chair à une tragédie jouée et rejouée, jusqu'à perdre sa puissance émotionnelle.

Le réalisateur parvient à recréer une ambiance ‘antique’ sans jamais sombrer dans le kitsch du péplum hollywoodien ou italien. Par sa façon de filmer réaliste mais toujours esthétique, il redonne un poids de réalité à ces décors écrasés de soleil, à ces visages barbus, luisants de sueur. D'ailleurs, certains gros-plans et extérieurs ne sont pas sans évoquer le ‘spaghetti western’ par la minutie des cadrages et l’extrême netteté de la photo.

Étant donné qu'il est impensable de tourner une tragédie grecque sans celle qui a fini par l’incarner, c'est Irène Papas qui tient le rôle de la mère déchirée, lionne impérieuse et impuissante. L’actrice n’hésite jamais à aller au bout des émotions les plus absolues, jusqu'au hurlement, au cri primal : elle est impressionnante. Mais s’il faut voir le film ce sera beaucoup grâce à l’époustouflante interprétation de Tatiana Papamoskou dans le rôle-titre. Une presque femme, qui en quelques minutes passe de l’adolescente naïve et effrayée à l’héroïne hiératique, offrant sa vie en sacrifice à son pays. Grâce à ces deux femmes, la pièce retrouve son frémissement, son horreur aussi, tant la proximité de la mort devient tangible.

Les personnages masculins, du pleutre et menteur Agammemnon au narcissique Achille, ne font vraiment pas le poids.

La BO de Mikis Theodorakis, solennelle, obsédante, ajoute à l’ambiance inexorable du film.

Dans le genre, et contre toute attente, un pur chef-d’œuvre.

À NOTER : la magnifique copie du film sortie il y a trois ans chez Warner en zone 1, en 16/9 avec sous-titres français.

Coproduction italo-allemande, « FANTÔME D’AMOUR » est un drôle d’objet. Réalisé par l’habituellement caustique Dino Risi, c'est une sorte de fable sur l’impossible deuil d’un amour de jeunesse, un rêve éveillé poétique, mais tenté par l’horreur de série B.

Risi est passé tout près d’un grand film d’amour fou, mais sa patente méconnaissance du genre qu'il explore ici, le fourvoie trop souvent dans des dialogues platement justificateurs, une voix « off » redondante, et des scènes complètement grotesques, comme celles centrées sur ce prêtre défroqué, au physique de vampire gay, roulant des yeux parmi ses vieux grimoires. Pas loin du pastiche, le signore Risi !

Malgré tout, le film parvient à garder une certaine magie, grâce à la photo délicate de Tonino Delli Colli (le chef-op de Sergio Leone), la BO de Riz Ortolani jouée par Benny Goodman, et le charisme indéniable de Romy Schneider et Marcello Mastroianni, effacé et touchant. À noter aussi, l’excellence du maquillage de l’actrice, dans certaines séquences où elle est censée être ravagée par le cancer : impressionnant ! Tout y est, même les dents pourries… On compatit, quand elle supplie le pauvre Marcello de l'embrasser !

Malgré ses naïvetés et lourdeurs, « FANTÔME D’AMOUR » vaut donc le coup d’œil, et peut encore envoûter durablement.

Le DVD sorti en zone 2, ne contient que la v.f., mais comme les deux stars se sont doublées elles-mêmes, ce n’est jamais gênant.