Un ‘epic’ de 3 H 30 sur la création d’Israël, écrit par Dalton Trumbo, réalisé par Otto Preminger et tourné à peine une petite décennie après les évènements, cela peut sembler alléchant, voire instructif. Hélas, « EXODUS » a tout du film-monstre et échoue sur à peu près tous les points.

Désireux de ménager la chèvre et le chou, le scénario mixe à la truelle un cours d’Histoire avec de grosses ficelles mélodramatiques, le spectre de la Shoah avec une love story de ‘soap opera’, sans jamais trouver son équilibre. Ainsi, on s’étonne de voir s’accumuler les ellipses narratives franchement raides, alors que d’autres passages – comme l’évasion de la forteresse anglaise – sont surdéveloppés jusqu'à l’absurde. Même chose pour l’épisode de la grève de la faim à bord du navire à Chypre, dont on monte longuement la mayonnaise, pour le dégonfler brusquement, avant d’en avoir exploré la dimension tragique.

On suit donc « EXODUS » passivement, d’un œil de moins en moins attentif, pas même intéressé par le personnage de Paul Newman en mode « service minimum », qui affiche une moue boudeuse et quelques tics Actors Studio, dans un personnage mal défini qu'il se refuse obstinément à rendre sympathique. Nulle consolation du côté d’Eva Marie Saint, qui n’a jamais été plus mal photographiée jusqu'à faire dix ans de plus que son âge dans certaines scènes. Quelques vétérans habitués à se sortir de n'importe quelle situation, comme Lee J. Cobb ou David Opatoshu sont les bienvenus, même s’ils ne font pas oublier les prestations navrantes de Jill Haworth ou John Derek en chef arabe.

Malgré l’intérêt qu’on peut porter à la période décrite, malgré le discours final de Newman à l’enterrement d’un Arabe et d’une Juive ensevelis côte à côte, et dont le contenu prend 50 ans plus tard un écho triste et dérisoire, « EXODUS » demeure au niveau des intentions et ne donne qu’une envie : lire un bon bouquin sur le sujet. Tiens, pourquoi pas « EXODUS » de Leon Uris ?

À NOTER : après des années pendant lesquelles le film ne fut disponible qu’en édition DVD affreuse, écourtée et en 4/3, il vient de sortir dans un transfert Blu-ray encore imparfait, mais évidemment incomparable.

« CONTAGION » a toutes les apparences d’un néo-film catastrophe. Depuis l’avalanche de stars au générique, jusqu'à sa construction. Mais c'est Steven Soderbergh qui est aux commandes, pas Michael Bay, et il ne faut donc pas s’attendre à des F/X numériques dernier-cri, de la 3D en veux-tu en voilà et des explosions nucléaires en rafales. Non, ce qui intéresse les auteurs ici, c'est de montrer la fragilité de l’espèce humaine. À force d’avidité, d’irresponsabilité, nous finirons par détruire une forêt de trop, à en chasser les chauves-souris, qui risquent de contaminer des porcs qui eux-mêmes, etc. Bref : à ce stade de notre « évolution », il n’en faudrait clairement pas beaucoup pour être éradiqués définitivement de la planète.

Par son réalisme, son refus du spectacle, « CONTAGION » inquiète et met mal à l'aise. De façon méthodique et clinique, Soderbergh jour après jour, décrit la progression du virus, stigmatise au passage la saloperie de ses frères humains, qu'ils soient aux commandes ou simples citoyens, et signe un film pas vraiment agréable mais qui donne à réfléchir.

Avec un certain humour pervers, il s’offre des têtes d’affiche comme Kate Winslet ou Gwyneth Paltrow pour mieux les dégommer à la première occasion, engage le bellâtre Jude Law pour l’enlaidir à loisir dans un personnage de bloggeur-gourou-escroc et éclate sa construction au point qu’on ne s’attache réellement à aucun protagoniste.

Le film maintient l’intérêt par sa rapidité, la multiplicité des points de vue, quelques images fortes et marquantes de lieux publics désertifiés et de plans-choc (l’autopsie de Gwyneth !), et aussi – c'est assez rare pour le noter – parce qu'il ne se croit pas obligé de durer deux heures et demie !

Est-ce parce que Richard Brooks est un grand auteur-réalisateur et un homme cultivé que son adaptation des « FRÈRES KARAMAZOV » ne ressemble pas à toutes les pâtisseries hollywoodiennes tirées de la grande littérature ? Par son casting international parfaitement ciblé, son refus du grand spectacle à tout prix et une certaine théâtralité, il donne à son film une vraie grandeur et donne envie de relire Dostoïevski.

« LES FRÈRES KARAMAZOV » semble d’abord ne parler que d’argent. Tout le monde a des dettes, on se marie par intérêt, on pourrit ses relations familiales pour quelques roubles. Jusqu'à la rencontre entre le fils aîné Yul Brynner et la femme de mauvaise vie Maria Schell, qui laisse s’infiltrer la passion. Une passion morbide et destructrice, mais qui balaie tout sur son passage. À ce propos, la séquence dans une taverne, montrant le coup de foudre ressenti par Dimitri, est une des plus belles et troublantes qui soit donné de voir : Maria Schell, qui n’a jamais été plus solaire et sensuelle, danse sur la musique d’un orchestre tzigane, sous le regard fiévreux de Brynner, littéralement ensorcelé. Ce dernier n’a d'ailleurs jamais été plus intense et humain que dans ce rôle pour lequel il semblait né. Dirigé d’une main de fer, il délaisse ses maniérismes et postures habituels, pour un jeu subtil et en profondeur. Un vrai plaisir. Même chose pour le reste du casting : Lee J. Cobb qui joue une fois encore un personnage de vingt ans plus âgé que lui, est extraordinaire en père débauché et ignoble, Richard Basehart idéalement distribué en frère tourmenté, le jeune William Shatner incarne le cadet devenu prêtre. Mais c'est Albert Salmi qui ramasse la mise en bâtard servile, pas si simplet qu'il n’en a l’air. L’actors Studio dans toute sa splendeur !

Le film a beau faire presque 2 H 30, on ne s’y ennuie pas un instant et tous les personnages (jusqu'à cet ex-militaire humilié par Dimitri devant son fils), sont intéressants et attachants. Brooks a bénéficié d’une magnifique photo en clair-obscur, de décors « russes » parfaitement crédibles et tout son film semble être porté par une ferveur et une fièvre qui ne retombent jamais. Beau film.

Après « JUNO » et surtout le remarquable « IN THE AIR », la petite musique de Jason Reitman et de sa scénariste Diablo Cody se fait à nouveau entendre dans « YOUNG ADULT », une sorte d'anti-comédie romantique faisandée et pervertie par un excès de réalité, qui vient gâcher pour notre plus grand bonheur, la fête des poncifs hollywoodiens.

Charlize Theron, dont c'est probablement le meilleur rôle, incarne une ex-garce du lycée, de retour dans sa ville natale pour reconquérir son ancien boy friend qui vient d’avoir un enfant. Pitoyablement accrochée à un passé pourtant déjà pas brillant, dépressive, immature, à côté de ses pompes, ce personnage fait d’abord sourire avant d’inquiéter. À l’instar de Gena Rowlands dans ses meilleurs rôles pour Cassavetes, Theron donne l’impression d’être une grenade dégoupillée qui peut exploser à tout moment. Ce sentiment d’insécurité et de malaise est ce qu'il y a de plus frappant dans ce film cruel et dénué de tout pathos. La pauvre Charlize, ivre-morte la moitié du temps, patauge dans ses illusions, sans voir que l'homme de ses rêves est un « beauf » certes bien brave (excellent Luke Wilson dans un emploi vraiment pas glamour), mais complètement idiot, satisfait de sa confortable médiocrité. Sans voir surtout, que la seule ‘love story’ qu'elle pourra vivre sera avec ce gros garçon handicapé qu'elle connut jadis au lycée et qui est le seul à la voir telle qu'elle est réellement et à l’aimer quand même.

« YOUNG ADULT » est un film ramassé et compact, d’une lucidité qui fait mal, parfois tellement dur et sans échappatoire qu’on finit par sourire. Malgré soi. Malgré tout. L’humour en somme, naît d’un excès de pathétique et de sordide. Le plus étonnant est que l’héroïne ne connaît aucune rédemption, n’apprend rien de son misérable périple et repart aussi égocentrique et misérable qu'elle était arrivée.

Étonnant à quel point un film aussi potentiellement déprimant, laisse une sensation de légèreté et de finesse.

Si « ON N’ACHÈTE PAS LE SILENCE » fait autant penser à « DANS LA CHALEUR DE LA NUIT », ce n’est pas seulement parce que les deux films parlent des relations noirs-blancs dans le Sud, mais aussi parce qu'ils portent la signature du même scénariste : Stirling Silliphant. Pourtant si le film de Norman Jewison allait droit au but, celui de William Wyler – son dernier – est une drôle de marmelade. D’abord et avant tout, on ne sait jamais vraiment qui est le protagoniste : ce jeune avocat (Lee Majors) idéaliste qui débarque avec sa femme ? Ce vieil avocat (Lee J. Cobb) raciste sans l’être tout en l’étant ? Ce jeune Noir qui revient au pays avec la vengeance au cœur ? Ce croque-mort également noir dégoûté des injustices ? En fait le personnage qu’on voit le plus est encore celui du patrouilleur pourri et pervers incarné par Anthony Zerbe, individu méprisable s’il en fut, mais qui finit par devenir le pivot de l’histoire.

C'est tout le problème de ce film qui ressemble finalement au ‘best of’ déséquilibré de ce qui aurait dû être une minisérie télé de 6 heures. Ici tout est survolé, compressé, mal calibré. Le dialogue est surabondant, les comédiens sont sous-employés, certains rôles principaux disparaissent de l’écran pendant des pans entiers du métrage. Et l’ennui s’installe, pesant et irrémédiable.

On a beaucoup de mal à imaginer que ce film pataud, au look télévisuel soit signé du réalisateur de « BEN-HUR ». En seulement douze ans, avait-il déjà tout oublié ? « ON N’ACHÈTE PAS LE SILENCE » fait plutôt penser au désolant « L'HOMME DU KLAN » sorti trois ans plus tard.

Quel gâchis d’excellents acteurs comme Cobb qui grimace éhontément, coiffé d’une affreuse moumoute, de la toute jeune Barbara Hershey qui fait de la figuration vraiment pas intelligente. À peine retiendra-t-on le juvénile et tout mince Yaphet Kotto, à l’indéniable présence.

Bavard, vaguement voyeuriste, complètement désuet dans sa facture, « ON N’ACHÈTE PAS LE SILENCE » (encore un titre français sans aucun rapport avec le contenu du film !) est un faux-pas dans la riche filmo de Wyler. Dommage que ce soit le dernier…