On peut comprendre que les producteurs aient eu envie d’exploiter au maximum le couple Spencer Tracy-Katharine Hepburn, mais les deux acteurs étaient chacun à leur façon, trop singuliers pour jouer n'importe quel rôle. Et pour ce qui est de « SANS AMOUR », ils – et surtout lui – sont à côté de la plaque. Le film aurait clairement mieux fonctionné avec un Cary Grant dans ce personnage de savant farfelu et somnambule.

Le scénario de cette comédie sentimentale est tiré par les cheveux : forcés de cohabiter, une héritière et un chercheur vont se marier parce qu'ils ne s’aiment pas. Elle parce qu'elle ne s’est jamais remise de son veuvage et lui parce qu'il sort d’une liaison traumatisante. En épousant quelqu’un dont ils ne sont pas amoureux, ils s’imaginent être à l’abri. On le voit, le postulat est mince. Maigre, même ! À vrai dire, il ne tient pas la distance une seconde, d’autant qu’on sait pertinemment que ces deux-là finiront par se tomber dans les bras.

Il faut hélas, presque deux heures, pour qu'ils admettent qu'ils sont tombés amoureux. C'est lourdingue, longuet, vraiment pas très drôle. Tracy mal à l'aise, grimace beaucoup, ouvre grand les yeux, pince les lèvres et a une meilleure interaction avec son chien qu’avec sa partenaire. Hepburn, quant à elle, a toujours ce petit côté illuminé, presque inquiétant qui la rend intrigante. À noter qu’à la fin de chacun de leurs films en commun, on a droit à un « Kate moment », une sorte de numéro en solo de la star, incroyablement complaisant, qui déséquilibre le film. Ici, elle virevolte en imitant l’accent français, fume-cigarette aux lèvres. Et ça dure… Ça dure…

Parmi les seconds rôles pas très passionnants, on reconnaît le jeune Keenan Wynn en poivrot mondain et la future star de télé Lucille Ball en agent immobilier pétulante. On a également droit – pendant une trentaine de secondes ! – à une Gloria Grahame débutante, en vendeuse de fleurs enrhumée.

L’admirateur complétiste du couple de stars sera probablement aux anges devant ce « SANS AMOUR », pour les autres, c'est franchement très dispensable.

Votre serviteur, Fred Jay Walk, a vécu une drôle de semaine. Elle avait démarré avec la décision tardive de visionner (enfin) « INVICTUS » après des mois de tergiversation. Résultat : une traumatisante déconfiture. Ce qu'il ne vous avait pas dit, le Fred, c'est qu’un autre DVD attendait sagement sur la même étagère depuis bien longtemps : « MINUIT À PARIS » de Woody Allen.

Fan de la première heure, amoureux de « ANNIE HALL », « UNE AUTRE FEMME », « CRIMES ET DÉLITS » ou « HANNAH ET SES SŒURS », le Fred avait vu son admiration pour le new-yorkais fondre progressivement comme neige au soleil et un vieux pressentiment l’empêchait de visionner son opus parisien. Mais quoi… Il faut être brave !

« MINUIT À PARIS » est tout ce qu’on pouvait redouter qu'il soit. Un robinet d’eau tiède pour touristes américains d’un certain  âge, un guide touristique délibérément naïf à la poésie de carte postale.

Le rôle principal (et omniprésent) est tenu par l’agaçant Owen Wilson qui – comme Kenneth Branagh et d’autres avant lui – se lance dans une imitation laborieuse de son réalisateur. On le voit déambuler d’un décor à l’autre, croiser dans un Paris fantasmé, les mânes d’Hemingway, Dalí (numéro totalement grotesque d’Adrien Brody), Scott et Zelda Fitzgerald, expliquer ce qu’on aurait préféré comprendre tout seul… Les rôles féminins sont écrits avec misogynie (la fiancée tête-à-claques) ou platitude (l’égérie des années 20) et au bout du compte, le Woody a troussé cette minuscule fable esthétisante, pour en conclure qu'il ne faut pas vivre dans le passé, mais plutôt jouir du présent. Il n’a pas tort, mais en assumant sa nostalgie passéiste, il nous offrait des films comme « RADIO DAYS » ou « ZELIG » au lieu de… ça.

Plutôt bien accueilli par la critique – même française – « MINUIT À PARIS » marque, espérons-le, l’hommage d’un cinéaste ébloui par la capitale, dont il ne propose qu’une vision superficielle « pour l’exportation », plutôt qu’un tarissement alarmant d’inspiration.

Dans le film, Marion Cotillard, jeune femme des ‘twenties’ rêve du Paris de 1900, tandis qu’un Paul Gauguin rêve de celui de 1870. En professant, ô combien explicitement, qu'il faut vivre avec son époque, Woody nous laisserait-il entendre qu'il faut préférer « MINUIT À PARIS » à « MANHATTAN » ? Ça file le vertige…

Sur le thème toujours payant de « l’enfant sauvage », « NELL » avait tout sur le papier, pour n’être qu’un gros mélo hollywoodien bien-pensant, offrant un rôle à Oscar à son actrice principale. Mais par on ne sait trop quel miracle, le résultat comme en État de Grâce, défie les pronostics et s’avère être une œuvre délicate et émouvante, tout en n’évitant jamais les grosses ficelles et même certaines lourdeurs.

Pourquoi ? On peut y voir deux raisons : d’abord l’interprétation stupéfiante de Jodie Foster – alors dans la meilleure période de sa carrière d’actrice – qui adopte une gestuelle, un langage complètement recréés et s’impose dans un personnage de sauvageonne à la fois inquiétant et touchant, animal et poétique.  L’autre raison de la fascination qu’exerce le film est certainement l’image signée du grand Dante Spinotti, ciselée et envoûtante qui transcende le sujet et en fait un vrai film « de cinéma ».

Bien sûr, Michael Apted n’évite pas totalement les scories du film de studio : les petits voyous du village manifestement introduits dans le scénario pour créer une « menace » et un danger, semblent faiblards et superflus et la séquence au tribunal à la fin, jure par sa naïveté « capraesque ». Mais malgré cela, « NELL » est truffé de moments magiques autour de la cabane dans les bois, les flash-backs sur la sœur jumelle sont bien intégrés et la découverte progressive du langage de l’héroïne est parfaitement bien étudiée.

Face à une Jodie Foster écrasante, Liam Neeson parvient à exister et à rendre crédible un personnage presque trop beau pour être vrai. La regrettée Natasha Richardson se sort au mieux du rôle le plus ingrat et faiblement écrit.

Il est certainement aisé de démolir « NELL » en quelques lignes et de n’en voir que les failles et les clichés. On peut aussi se laisser aller à sa petite musique et profiter du voyage. Au choix…

L’avantage avec certains vieux films complètement oubliés, c'est qu'ils réservent parfois d’heureuses surprises. Ainsi « LES FAUVES MEURTRIERS » est-il un condensé de ‘pulp fiction’ décomplexé, qui s’appuie sur un scénario délirant, des fantasmes ahurissants et se vautre dans le plus absolu ridicule, pour notre plus grand bonheur.

Michael Gough est directeur d’un zoo et fait également partie d’une secte d’adorateurs des animaux (sic !). Il élève ses fauves comme ses enfants – il leur joue de l’orgue tous les soirs – et les utilise occasionnellement pour se débarrasser de ses ennemis. Car notre brave Gough est un tyran paranoïaque qui a réduit son propre fils en esclavage et traite sa femme en bonniche.

C'est indéniablement drôle et distrayant, comme une vieille BD de « CREEPY » ou « EERIE » et les séquences grotesques (la cérémonie avec le bébé tigre) alternent avec des moments plutôt bien fichus (toute la fin sous la pluie battante). On sent que les scénaristes ont eu du mal à remplir la durée règlementaire et certaines scènes comme celle du commissariat par exemple, font vraiment bouche-trou.

Les fauves sont bien dressés et la séquence où ils s’installent dans le salon de leur maître, investissant les canapés est même tout à fait étonnante. Dommage qu’une faute de goût vienne un peu gâcher la fête : le figurant en costume de gorille, échappé de « GORILLA AT LARGE », qui nous rappelle que nous sommes dans une série B kitschissime, au cas où on l’aurait oublié.

Aux côtés de Gough intense à souhait, qu’on a plaisir à voir dans un rôle principal, on reconnaît l’excellente Jeanne Cooper jouant son épouse noyant son désarroi dans le whisky, Elisha Cook, Jr. en employé du zoo qui finit dans l’estomac d’un lion et la toute jeune Marianna Hill en étudiante venue dessiner les fauves.

La photo est belle, le CinémaScope bien utilisé et le sujet en lui-même suffisamment déjanté pour qu’on montre de l’affection envers ce film-mutant qu’on dirait écrit sous LSD.

On imagine un logiciel de scénario où sont classées les données ‘Comédie Romantique’ et dans lequel on a téléchargé les textes de « LOVE ACTUALLY », « LA CARTE DU CŒUR », « QUAND HARRY RENCONTRE SALLY… », « COUP DE FOUDRE À NOTTING HILL », etc. On ajoute la « griffe » personnelle de l’auteur : le film se passe le 31 décembre à New York et on appuie sur la touche ‘Film Choral’. On lance le calcul de l’ordi et ça donne… « HAPPY NEW YEAR » (oui, c'est le titre français !). Ça c'est fait ! Et si on proposait le scénario au réalisateur de « PRETTY WOMAN » ? Oui, oui, il peut emmener son copain Hector Elizondo, s’il en a envie.

Autant le dire tout de suite, c'est le film le plus affligeant, agaçant, factice et sans âme qu’on ait vu depuis le premier « SEX & THE CITY » (tiens ! faudrait-il éviter les films avec Sarah Jessica Parker ?). Le casting de stars est atrocement mal dirigé. Tout le monde adopte ce style de jeu légèrement hystérique et mécanique hérité de la sitcom et la mosaïque de situations entraîne d’un sketch inintéressant à un autre exaspérant. Que dire de ces deux couples accouchant en même temps à l’hôpital ? De cette pauvre Michelle Pfeiffer trimballée dans la ville par un coursier chargé de réaliser ses rêves ? Du nullissime Jon Bon Jovi dans plus ou moins son propre rôle ? Il faudrait tous les citer tant c'est consternant. En étant très indulgent et en voulant absolument dénicher une note positive, on peut à la rigueur trouver quelque intérêt dans les petits bouts de scènes de Robert De Niro agonisant à l’hosto aux côtés de son infirmière Halle Berry. Ils font proprement leur job en bons pros. C'est déjà pas mal. Mais il faut le dire vite…

On peut aussi passer le temps à compter les vedettes, les ‘guest stars’, à faire un petit tour dans Manhattan-by-night, mais franchement… Quelle cata !