Inspiré d’un roman de Ken Follett lui-même tiré de faits réels, « ON WINGS OF EAGLES » est une minisérie onéreuse, qu’on pourrait définir en disant que c'est un amalgame de « RAMBO 3 » et « JAMAIS SANS MA FILLE ».

À part qu’ici, Rambo a 73 ans. Mais c'est le même Richard Crenna qui l’envoie en mission !

Solidement réalisé par le vieux routier Andrew V. McLaglen « ON WINGS OF EAGLES » ne justifie jamais son excessive durée de plus de trois heures, alors qu’une de moins aurait amplement suffi. La dernière partie surtout, tire laborieusement à la ligne et fait du métrage en faisant se succéder les plans de trajets en voiture ou filmés d’hélicoptère. Le plus gênant est que le scénario monte une stressante mayonnaise qui ne mène… à rien. Ou à pas grand-chose. Pas de morceau de bravoure, aucune séquence d’action spectaculaire, pas le moindre drame humain. Et comme toujours, même l’horripilant caniche s’en sort indemne ! On fermera généreusement les yeux sur le racisme sous-jacent de certaines situations, sur le fait que des ‘latinos’ et même des Hindous incarnent des Iraniens et sur l’humour lourdingue de quelques répliques.

S’il faut tout de même voir ce téléfilm, ce sera pour Burt Lancaster, vieilli et chenu, qui tient son ultime rôle d’homme d’action. En ex-colonel viril et dur à cuire, il mâchonne son cigare, serre les mâchoires et donne des ordres avec une autorité de jeune homme.

On raconte que lorsque John Wayne rencontra le véritable ‘Bull’ Simons, il lui déclara : « Vous êtes l'homme que j’interprète dans mes films ». Et c'est donc le grand Burt qui a fini par incarner ce ‘mensch’ américain admiré par le ‘Duke’ ! À ses côtés, Crenna incarne un milliardaire étonnamment héroïque et altruiste, Esai Morales un allié iranien débrouillard et la toujours belle Constance Towers apparaît une minute en épouse élégante de Crenna.

Le scénario de Rod Serling (l'homme de la « TWILIGHT ZONE ») décortique frontalement la parano de l'ère atomique, mais de l'intérieur. Prêt à signer un traité de désarmement avec l'URSS, le président des USA doit affronter un général de sa propre armée, préparant un coup d'État pour parer à ce qu'il considère comme une faute politique majeure. Mais comme le dit le président, dans la réplique la plus éclairante du film : « Ce n'est pas lui, l'ennemi... C'est notre époque ».

Sec, dur, rigoureux, sans fioriture, « 7 JOURS EN MAI » est un film puissant et angoissant, dont l'ambiance rappelle « POINT LIMITE » de Sidney Lumet. Les décors sont minimalistes, le noir & blanc est contrasté, les visages légèrement déformés par l'emploi de focales courtes. Il en résulte un film théâtral à l’atmosphère indiciblement cauchemardesque, qui reste concentré sur son sujet, perdant un minimum de temps sur les à-côtés (le rôle d'Ava Gardner, vraiment pas indispensable). C'était la grande période de John Frankenheimer, qui dirige un cast grandiose de main de maître : le vétéran Fredric March en président âgé et vulnérable, mais transcendé par son combat pour la démocratie est exceptionnel, Edmund O'Brien en sénateur ivrogne, Kirk Douglas (producteur du film) dans le rôle difficile du mouchard œuvrant pourtant pour la bonne cause. Mais c'est Burt Lancaster qui rafle la mise. Malgré un temps assez réduit à l’image, il crève littéralement l'écran dans ce rôle de général fascisant, enragé, à la présence intimidante. À côté de lui, Douglas a l'air d'un morveux et son magistral face à face avec March à la fin, tient du dressage de fauve. On a la sensation que Lancaster va dévorer le vieil homme tout cru !

Quelques répliques font mouche, comme l’ultime face à face entre le général et le colonel qui l’a dénoncé : « Savez-vous qui était Judas ? » demande Burt, vibrant de haine. « Je sais qui était Judas » répond Kirk, « C'était un homme pour lequel je travaillais et que j’admirais. Et il a déshonoré les quatre étoiles de son uniforme ». Magistral !

« 7 JOURS EN MAI » est un film bavard par essence, excessivement austère, mais dont on ne peut qu'admirer le culot (il fut tourné l'année de l'assassinat de JFK) et la maîtrise sans esbroufe. Un des grands films du réalisateur.

Même après avoir vu la traumatisante série TV « OZ », il est impossible de nier l’impact des « DÉMONS DE LA LIBERTÉ » tourné cinq décades plus tôt. Dans un magnifique noir & blanc et sur un scénario de Richard Brooks, Jules Dassin signe un film âpre et violent, que quelques rares envolées sentimentales en flash-back (qu’on sent imposées par le studio) n’arrivent pas à édulcorer.

Les hommes enfermés sont des bêtes fauves, mais le pire d’entre eux est le chef des gardiens. Hitchcock avait coutume de dire qu’un film était réussi si son méchant était réussi. Le moins que l’on puisse dire est que ‘Munsey’ (génialement joué par Hume Cronyn) est un petit bijou : nabot ivre de pouvoir, nazillon sadique se repaissant de la souffrance des détenus, c'est un des personnages les plus haïssables qu’on puisse voir sur un écran. À côté de lui, les taulards ont l’air de braves types dont on est prêt à excuser tous les débordements ! La séquence où il torture un détenu au nerf de bœuf est extrêmement glauque et dérangeante.

Dans un cast solide, Burt Lancaster se détache nettement. Tendu à craquer, la narine frémissante de haine rentrée, le rictus dégoûté aux lèvres, il ne décroche pas un sourire de tout le film (rare, chez lui !) et compose un forçat emblématique avec un charisme fou. Il arrive même à se sortir sans dommage d’un flash-back le montant amoureux d’une gentille infirme sortie d’un conte de fées. Pauvre excuse tentant d’humaniser celui qui est quand même censé être le « héros » du film. D'ailleurs, malgré leur inutilité aveuglante, ces fameux flash-backs (tous les prisonniers de la cellule de Burt ont le leur !) sont ingénieusement amenés par Brooks, grâce à un portrait de femme épinglé au mur, qui représente toutes les femmes « de l’extérieur » et ravive les souvenirs.

« LES DÉMONS DE LA LIBERTÉ » a un peu vieilli par ses côtés militants et quelques personnages un peu lourds comme ce médecin ivrogne, mais c'est un film dense et compact, sans le moindre temps mort. La tentative d’évasion finale est encore aujourd'hui assez spectaculaire et d’une sèche brutalité…

On a tout dit, tout écrit sur « BRONCO APACHE », la première grosse production de Burt Lancaster, le premier succès de Robert Aldrich, et un des premiers films pro-Indiens des années 50.

Le film garde encore aujourd'hui son dynamisme hors du commun, sa rage interne, sa concision, et des morceaux de bravoure comme la découverte d’une grande ville par un guerrier ébahi, sont d’une force inégalée.

D’autres choses ont vieilli : le maquillage outrancier des acteurs blancs grimés en « natives », la musique emphatique qui finit par devenir assommante.

Mais ce qui ressort étonnamment le plus en revoyant « BRONCO APACHE », c'est la foncière ambiguïté de son propos. Un film pro-Indiens ? À voir… Présenté dès la première séquence comme un rebelle courageux et insoumis, Massaï n’en est pas moins une brute obstinée, parfois stupide. Par contre, le fermier Cherokee qu'il rencontre et qui changera sa vie, est décrit non pas comme un « vendu » ou un lâche, mais comme un vieux sage généreux qui a compris que pour survivre, l’Indien doit absolument renoncer à sa culture et ses coutumes. C'est adroitement tourné en dérision (la squaw l’envoie chercher de l’eau, devant un Massaï outré), mais c'est bien la teneur du discours. L'intégration ou la mort ! Et à bien y regarder, le baroud d’honneur de notre héros à la fin apparait non pas comme héroïque, mais plutôt comme un acte dérisoire et pathétique.

Burt Lancaster, même si son physique ne le rend pas des plus crédibles, apporte son hyperactivité, sa colère bouillonnante à ce personnage de guerillero solitaire. Jean Peters donne une certaine profondeur à son rôle de squaw fidèle et patiente, et un jeune Charles Bronson apparaît très brièvement en Apache renégat.

« LA VALLÉE DE LA VENGEANCE » est le premier western tourné par Burt Lancaster, qui devait devenir un acteur-phare du genre dans les années à venir. C'est hélas, à peu près tout ce qu’on peut dire de ce film qui n’est que… moyen. Ni bon, ni particulièrement mauvais, juste insignifiant, vaguement ennuyeux, et plutôt maladroit.

Tout le film est narré en voix « off » par un personnage secondaire, qui intervient à peine dans l’action. L’affrontement larvé entre deux (faux) frères ne laisse place à aucune surprise, aucune ambiguïté, et si Robert Walker connaît par cœur son rôle de faux-jeton sans caractère, prêt à toutes les trahisons, Lancaster n’est jamais très à son aise, quand il joue les braves types. Ici, son Owen Daybright (« Journée lumineuse », en bon Français !) est un cowboy loyal et fidèle jusqu'à la niaiserie, et le bon sourire contrit qu'il affiche pendant les trois-quarts de ses scènes, ne lui sied guère. On ne le retrouve tel qu’en lui-même, que dans une bagarre extrêmement violente avec Ted de Corsia, et dans la façon dont il gifle son demi-frère d’un revers de main (une baffe qui ne semble d'ailleurs nullement feinte !).

Mal employé, Lancaster ne parvient donc pas à sauver ce film inodore et sans saveur, d’autant qu'il disparaît trop fréquemment de l’action. On passe donc le temps avec les seconds rôles, comme John Ireland et Hugh O’Brian, jouant deux frères pétris de haine, voulant venger l’honneur de leur sœur engrossée par l’infâme Walker.

À l’instar de « LA VENGEANCE AUX DEUX VISAGES » de Brando, « LA VALLÉE DE LA VENGEANCE » (le titre est bien traduit, mais complètement hors-sujet) a connu de multiples éditions DVD au fil des années, étant libre de droits. Les copies disponibles sont hélas floues, jaunâtres, d’une totale laideur, ce qui ne doit évidemment pas aider à apprécier le film lui-même.